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El Comercio
 
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 • ACTUALIDAD EN AL NORTE

11

Dic.

2005


Al Norte

Semana Nacional de Arte Contemporáneo

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ROSINA GÓMEZ-BAEZA. DIRECTORA DE ARCO
«Un centro de arte actual debe
escuchar atentamente al artista»
El miércoles impartirá una conferencia dentro del seminario ‘Hibridaciones’ de AlNorte’05 que versará sobre los ‘Ritos y representaciones’ del arte



Inmersa en una agitada dinámica de cambios profesionales, mientras ultima los detalles de la XXV Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (Arco), Rosina Gómez-Baeza prepara sus maletas para asumir nuevas responsabilidades. La edición que se abre en febrero será la última que dirigirá esta gijonesa hasta ahora afincada en Madrid. La veterana gestora cultural ha hecho nuevamente un hueco en su apretada agenda para colaborar con EL COMERCIO e impartir una conferencia en AlNorte’05, dentro del seminario ‘Hibridaciones’ y de los Cursos de Extensión Universitaria de la Universidad de Oviedo. Será el próximo miércoles 14 de diciembre, a partir de las 19.30 horas, en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón, donde Rosina Gómez-Baeza hablará de los ‘Ritos y representaciones’ del arte.

–Hágamos una breve introducción a esa jugosa conferencia.
–A lo largo de la historia el hombre, incluso el primitivo, ha adoptado formas de expresión colectivas que, con el tiempo, se convertirían en códigos sociales, políticos y religiosos que dictaban el comportamiento de los seres humanos y eran propios de cada comunidad. Los ceremoniales sociales o los ritos religiosos fueron determinantes para estimular la creatividad (recuérdese por ejemplo la hermosísima Acrópolis, consecuencia del fervor ciudadano de la Atenas clásica) o las bellísimas catedrales góticas del medievo, fruto de la religiosidad cristiana. Los ritos de antaño han ido evolucionando, pero siguen rigiendo nuestras vidas.

–¿En qué dirección fluyen esos ritos?¿Cuál es su relación con las etapas de la Historia del Arte?
–En el Renacimiento el talento creativo del artista plástico era reconocido como parte integrante de aquellas disciplinas del intelecto sobre las que se asentaba la formación del hombre culto. Éstas eran las matemáticas (incluyendo teoría musical), la dialéctica, la gramática, la retórica y la filosofía. Hasta comienzos del siglo XV las artes plásticas se consideraban artesanía, carentes de una base teórica. Por eso, cuando el artista plástico es admitido en este ‘Olimpo’ se ve obligado a redefinir su trabajo. A partir de ese momento, el artista es creador de ideas y no mero manipulador de materiales, y su obra aspira a representar una idea, un concepto...de ahí el título de mi conferencia. Cito a Aristóteles, quién calificaba una obra teatral como la imitación, o representación, de una acción. Y esta verdad se puede aplicar a cualquier disciplina.

Teatro, cine, música, arquitectura se interrelacionan con las artes plásticas. Las disciplinas artísticas se funden de manera creciente, pero eso no parece nuevo. ¿O es el ritmo de los nuevos tiempos?
–En absoluto. El artista plástico del Renacimiento, por citar un ejemplo y una época trascendental en la cultura occidental, se convierte en un hombre de conocimientos amplios. Frecuentaba a los eruditos, era autor literario, poeta, arquitecto... Recordemos al sublime Miguel Ángel, escultor, pintor... Y pensemos también, por acercarnos ya a un siglo mas próximo, el siglo XX, en la Bauhaus, una escuela de formación fundada por Walter Gropius en Alemania, tras la primera guerra mundial y cuya influencia en el arte, en la arquitectura, en el diseño industrial y en nuestra estética actual perdura aún. Gropius y los suyos ( Mies van der Rohe, Klee, Kandinsky...) arquitectos y artistas todos ellos muy relevantes, defendieron la fusión de todas las artes. Más cerca de nuestro territorio se encuentra Picasso y su colaboración con los ballets rusos de Diaghilev. Podríamos citar un sinfín de creadores del pasado y del momento actual que han hecho eso.

–Como gestora cultural al frente de ARCO durante todos estos años, ¿cómo valora el diálogo existente en el arte más actual, dentro del circuito y, por tanto, del coleccionismo?
–Bruce Nauman, artista consagrado norteamericano, expuso hace poco, en la Tate Modern de Londres, una pieza sonora. Precisamente en el IV Foro de Expertos en Arte Contemporáneo que convocamos en coincidencia con ARCO se celebrará una mesa redonda en la que participarán el comisario de esta exposición y otros especialistas. Allí reflexionarán sobre la interdisciplinaridad en el arte. El arte sonoro forma parte de la programación de muchos museos. También la arquitectura, el cine, el diseño... Tampoco olvidar la irrupción del ordenador en la creación artística y la democratización de las herramientas tecnológicas. La complejidad estriba quizás en la dificultad, para el artista, de conocer en profundidad los distintos medios y soportes y de trabajar en producciones que comporten visiones creativas diversas que deben, finalmente, configurar un conjunto.

–¿Cualquier centro de arte de hoy debería tener muy en cuenta estas 'hibridaciones'?
–Según el filósofo nacido en la India, Homi K. Bhabha, éste concepto es importante en la teoría postcolonial y su potencial subversivo es enorme, puesto que no se encasilla en ninguna de las clasificaciones posibles: género, clase social o cualquier otra. El artista percibe y traslada su verdad emocional a través de los medios y soportes que le son más afines. Podemos estar hablando de música, cine, arquitectura, escultura, pintura, video o ‘media-art’. Un centro de arte actual, del siglo XXI, debe escuchar atentamente la voz del artista y aportar a la sociedad esta actitud reflexiva, crítica desde la independencia, irónica a menudo, llena de humor en otras ocasiones, para que el individuo y la sociedad lleguen a conocerse y comprenderse mejor.

–Esos diálogos interdisciplinares son imprescindibles. Pero hay críticas más o menos dogmáticas hacia las hibridaciones, por parte de posturas ‘puristas’ que aprecian ahí cierta falta de rigor...
– Voy a sorprenderle si hablo de tradición. La creación artística constituye un todo, un ‘continuus vital’ que se enriquece con cada nueva generación. A partir de este corpus de vitalidad creativa que hereda el artista se produce el salto cualitativo, la innovación artística, la originalidad. La genialidad, en suma. El ser humano es producto de sus ancestros, de la sociedad en la que vive y donde está desarrollando cualquiera de sus actividades, sus trabajos.

–Hay una pregunta inevitable en este momento crucial de su carrera ¿Qué balance hace de ARCO a dos meses de dirigirlo por última vez?
–Lo que hace viable este proyecto artístico y de fomento del patrimonio es una negociación entre la realidad y la necesaria dinámica evolutiva. Hay tres factores que han hecho de Arco lo que es. En primer término el coleccionismo de arte de hoy y, consecuentemente, una imagen de emergencia; una consolidada programación teórica de orientación y puesta al día y finalmente, la escena internacional. En mi trabajo siempre he optado por la actualización, en la visión mas amplia del término, asumiendo el riesgo de las emergencias. La calidad y vigencia de las obras expuestas tiende a ser teórica y de orientación, en un esfuerzo de diferenciación de otras ferias. La necesidad de enfrentarse al hecho artístico y a las estructuras de poder en la esfera internacional ha dado lugar a una solida programación teórica, que es fuente de información y de debate con la presencia de expertos y centros prestigiosos. ¿Es éste un nuevo modelo de trabajo dentro del mundo de las ferias de arte? Sin lugar a dudas.

–¿Se han aclarado sus perspectivas de futuro? ¿Va a ser usted la directora de La Laboral?
–El Príncipe de Asturias declaró en varias ocasiones a los medios de comunicación que se casaría enamorado. No pretendo establecer ninguna comparación, pero me gustó tanto su sinceridad, la aspiración tan noble de vivir plenamente su desarrollo humano y personal, que me atrevo a decir que el proyecto artístico que yo dirija se fundamentará en el compromiso espiritual y la dedicación enamorada. No entiendo otra manera de actuar.

 
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